Improvisación libre o la composición espontánea

En palabras de Keith Jarret,» la improvisación libre no es apta para aquellas personas obsesionadas con mantener el control. Tan necesario como agudizar el oído y, en la medida de lo posible, contar con una amplia experiencia musical es dejarse ir deliberadamente en algún momento».

Josep Lluís Galiana Gallach, habitual en numerosos proyectos de improvisación libre y autor de un completo trabajo de investigación sobre esta disciplina dice que, «sin olvidar su carácter lúdico y su gran valor pedagógico, la improvisación libre es una manera de hacer música en la que el sonido es el único vehículo que conduce este proceso de creación musical instantánea. La toma de decisiones, las estrategias, los posicionamientos y la negociación en el seno de un grupo de improvisadores se produce en el aquí y ahora, aprovechando al máximo sus habilidades y capacidades heurísticas y siempre a partir del sonido. Se trata, pues, de una música eminentemente participativa y de autoría compartida, en la que el sonido global generado por todo el grupo es más importante que la suma de los sonidos producidos por cada uno de los improvisadores que integran el conjunto. Todo este proceso creativo exige tanto a músicos como a público otros tipos y niveles de escucha para entender su verdadera naturaleza».

En el mundo del contrabajo podríamos destacar a grandes nombres del panorama internacional en el terreno de la improvisación libre como Stefano Scodanibbio, Barry Guy, Charlie Haden, Joëlle Léandre, Peter Kowald, Jacek Mazurkiewicz, y tantos otros que han dejado un enorme legado y han llevado a nuestro instrumento a cotas que hasta hace poco eran impensables. Pinchando en cualquiera de los nombres se puede comprobar lo que se puede llegar a conseguir con nuestro instrumento cuando no hay límites.

En mi caso siempre me han interesado todos los estilos musicales desde el barroco al contemporáneo,del folk al funk pasando por la bossa nova o la música étnica y la improvisación libre no iba a ser menos. Bien en solitario, con el contrabajo o el piano, o en grupo disfruto y aprendo mucho de ese “dejarse ir deliberadamente” y que recomiendo especialmente, por lo que tiene de liberador y enriquecedor, para los que diariamente interpretamos música minuciosamente escrita y sin ningún tipo de posibilidad de aportación propia desde el punto de vista compositivo.

El pasado mes de mayo, Javier Adán y Santiago Rapallo, dos figuras relevantes del jazz y la música de vanguardia del panorama musical madrileño y componentes de Unidad Mínima de Destrucción , me invitaron a participar en su ambicioso y interesantísimo proyecto dentro de una serie de colaboraciones que han organizado con diferentes intérpretes del mundo del clásico, el jazz o la música contemporánea y de ese encuentro salió esta grabación de 40 minutos de duración de una sola toma sin pautas previas ni ningún tipo de estructura preestablecida. Sólo el dejarse ir.

Javier Adán: guitarra
Santiago Rapallo: percusión,electrónica
Roberto Terrón: contrabajo

Grabado en directo en Madrid. Mayo 2015
Edición musical: Javier Adán, Santiago Rapallo
Fotografía y montaje vídeo: Roberto Terrón

Nace una Revista sobre el Contrabajo!!!…en el año 2000

Con motivo del 80 cumpleaños del profesor Ludwig Streicher, el 7 de mayo de 2000 algunos de sus antiguos alumnos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid organizamos una comida en el Hotel Meliá Castilla de esa ciudad con la intención de reunir allí al mayor números de ex-alumnos, alumnos y amigos y celebrar todos juntos aquel día tan especial. Además de las consabidas viandas confeccionamos unas camisetas como recuerdo del evento, visionamos un video con una selección de imágenes del profesor Streicher, se le hizo entrega de una escultura de Cuqui Piñeiro de una mano con la posición del arco característica de su técnica, y presentamos esta revista, LA FUNDAMENTAL, que en su número 0 dedicamos casi ( exceptuando el artículo de la Historia del contrabajo en España ) en exclusiva a Ludwig Streicher.

Como dijo Alfonso Morán,  redactor y coordinador del número 0 de la revista, en su Editorial,  «nuestro sueño es que sirva para empezar a aunar por fin los esfuerzos de intérpretes, pedagogos y musicólogos de este instrumento en nuestro país». 

Cinco años después en 2005, y en formato digital, retomamos la idea de la revista con pocos medios pero mucha ilusión con algunos artículos interesantes sobre el contrabajo, en un momento en el que apenas había información en la red sobre el contrabajo en español, pero que por diferentes circunstancias no pudimos continuar y se quedó en este proyecto embrionario.

Aquí se pueden ver ahora en formato pdf el número 0 de aquel inolvidable homenaje a Ludwig Streicher y la versión digital posterior del 2005 de lo que fue la primera revista sobre el contrabajo en España.

La Fundamental. Número 0 ( año 2000 )

La Fundamental. Número 1 ( año 2005 )

Experimenta con la afinación vienesa en 5 minutos

Leyendo algunos de los comentarios del interesante grupo de Facebook Viennese Tuning-Wiener Kontrabass, me encontré con una solución fantástica de Joëlle Morton para poder experimentar con la afinación vienesa (Fa’, La’, Re, Fa#, La), la original de las obras de compositores de finales del XVIII como Dittersdorf,Vanhal, Sperger o Hoffmeister.

La solución es muy sencilla partiendo de nuestro instrumento habitual de cuatro cuerdas con afinación por cuartas, bien con cuerdas de orquesta o de solo:

1. La primera cuerda G bajarla a F

2. La segunda cuerda D se queda igual.

3. La tercera cuerda A se sube medio tono a B bemol.

4. La cuarta cuerda E se sube a F

5. La afinación resultante es,de grave a agudo, F, B bemol,D,F, a una tercera mayor descendente de A,D,F#,A, la original vienesa sin la quinta cuerda (F).

De este modo,la relación entre las cuerdas es la misma y nos permite experimentar con todo este repertorio en la manera que lo hicieron los grandes contrabajistas de la época como Kämpfer, Sperger,,Mannl o Pischelberger aprovechando las cuerdas al aire y todos los armónicos que permite esta scordatura.

En este vídeo se puede ver a Edicson Ruiz interpretando el Concierto de Ditterdorf (I y II mov.) con la afinación vienesa A,D,F#,A.

En la web de la editorial G.Henle Verlag tenéis la versión original para afinación vienesa del concierto de Dittersdorf y el de Hoffmeister, con la posibilidad de descargar gratuitamente las partes de contrabajo.Y si queréis ampliar información sobre esta afinación,compositores y obras de este período de la Viena de finales XVIII, lo podéis hacer en la web Viennese Tuning

Yo ya lo he probado y la sonoridad es espectacular. ¿Te atreves?

Teaching Improvisation To Orchestral Double Bass Players?

Siempre me ha parecido que tocar el contrabajo y sólo hacer música clásica es algo así como tener un todoterreno y usarlo sólo para ir a hacer la compra. Está claro que el grado de especialización y de exigencia cada vez es mayor en todos los campos de la música y es difícil abarcar demasiados palos con éxito, pero  conocer los principios básicos de la improvisación y del lenguaje musical moderno me parece fundamental a todos los niveles de la enseñanza musical tradicional, y no simplemente para tocar otros estilos si no para entender y conocer mejor como se construyen las obras del repertorio clásico habitual que tocamos en las orquestas y las que se incluyen en los programas de estudio de los conservatorios.

En todas las épocas, la improvisación ha estado siempre ligada inevitablemente a la interpretación y a la composición y sólo hasta hace muy poco tiempo la figura del músico llevaba siempre unidas estas tres actividades. Es sabido que en la época barroca, era casi un insulto especificarle al bajo continuo las notas exactas que tenía que tocar en cada momento, porque se daba por hecho que todo el mundo podía y sabía crear su propia realización armónica con sólo la línea de bajo, incluso sin el cifrado correspondiente.

La historia de la Música está plagada de célebres improvisadores desde Bach a Messiaen, pasando por Mozart,Beethoven o Chopin y como decía el propio Bach:» la diferencia entre una composición escrita y una improvisación es sólo la velocidad de producción,una cuestión relativa»

Con el título de  «Teaching Improvisation To Orchestral Double Bass Players: Significance And Methodology» (2013)  Michael Thomas Geig nos presenta un,a mi juicio, interesantísimo trabajo dirigido especialmente a contrabajistas de formación clásica que quieran introducirse en el mundo de la improvisación a partir de ejemplos de nuestro repertorio habitual y con referencias también al lenguaje del jazz.

Un documento imprescindible y que os recomiendo que lo imprimáis y lo tengáis siempre a mano si os apetece el reto de convertiros en un músico integral que compone,improvisa e interpreta

¿Es ético tocar el contrabajo?

 

” Es posible que, allá arriba, se pregunten algunas veces:
Por qué diablos habremos dejado al hombre inventar el contrabajo? Sin llegar a encontrar respuesta…”

 

Así,sin anestesia,comienza Ética del Contrabajo el desternillante librito del dramaturgo y periodista italiano Orio Vergani (1898-1960). Quizás una sátira exagerada de la realidad del contrabajo de la primera mitad del siglo XX,pero que saca a relucir todos los tópicos y más que los que ya peinamos canas hemos oido en más de una ocasión sobre nuestro instrumento y sobre los que nos hemos atrevido a dedicar nuestra vida a que suene algo decente de él.

(…)» Pero el estudio del contrabajo ofrece aún otro inconveniente, y es el de ser inadecuado para lo que se llama sentimiento. El violinista puede decir siempre a su amada:»¿Sabes? He tocado pensando en tí.» Esa frase le está vedada al que toca el contrabajo»(…)

Las cosas han cambiado muchísimo en los últimos 30 años desde que los niños a temprana edad pueden estudiar con contrabajos pequeños, de modo que podemos encontrar jóvenes instrumentistas igual de brillantes en las aulas de contrabajo que en las violín,flauta o piano,por lo que para muchos la lectura de este texto les resultará anacrónica y un tanto fuera de lugar. Sin embargo, aparte de ser divertidísimo vale la pena leerlo para reflexionar sobre lo que fuimos, lo que somos y como pueden llegar a vernos desde fuera, aunque sea en este exagerado tono satírico y grotesco.

Tenéis en el siguiente enlace el texto integro que podréis leer en apenas media hora. No os arrepentiréis.

Orio_Vergani. Ética_del_Contrabajo

¿Quintetos sin viola o tríos con contrabajo?

 

Indagando un poco más sobre el repertorio de música de cámara para nuestro instrumento, y con el fin de elaborar un programa de concierto atractivo y novedoso, me encontré hace unos meses con algunas interesantes obras para una formación muy poco habitual en la música de cámara con contrabajo: cuartetos para violín,violonchelo, contrabajo y piano.

A primera vista, al ver una plantilla camerística con piano y contrabajo es  inevitable pensar en el quinteto de La Trucha de Schubert pero enseguida nos falta algo…la viola. Al buscar partituras para esta combinación camerística, se puede comprobar que la mayoría de las obras que se conocen del XIX son tríos de violín, violonchelo y piano para cuya interpretación los compositores ofrecían la posibilidad de añadir una parte de contrabajo ad libitum para darle más potencia al conjunto, quizás en función de la sala o la ocasión en la que se fuera a ejecutar la pieza.

Es el caso de piezas como Poeme romantique o Appasionato del compositor francés Félix Fourdrain (1880-1923). Unos cuantos años antes, Henri Louis Martin de Villers (1780-1855) sí compuso una obra original para esta agrupación donde el contrabajo tiene su propio protagonismo ( a pesar de doblar con bastante frecuencia la mano izquierda del piano ): su Quatuor pour piano,violon,violoncelle et contrebasse, editado en 1823. También un coetáneo del Baron de Villlers, el inglés Cipriani Potter (1792-1871),  escribió un Concertante para violín,violonchelo,contrabajo y piano sobre Les folies d’Espagne pero en este caso como instrumentos solistas con acompañamiento orquestal.  Otros compositores hicieron su aportación a nuestro peculiar catálogo como  Adolphe Adam (1803-1856)   o Paul Julien Delmet  (1862-1904) pero en una línea similar a la de los primeros.

Fue el siglo XX el que, como en muchas otras ocasiones, me dió la llave para conseguir lo que estaba buscando. Si bien es cierto que el motivo de la búsqueda de otras obras con esta formación fue el ya bastante conocido en nuestro gremio Quartet for Piano and Strings del genial compositor y contrabajista norteamericano Frank Proto(1941), lo que no esperaba es encontrar otras tres obras tan interesantes como Four on the floor de Libby Larsen (1950), MusicScapes de Octavio Vázquez (1972) y Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis (1922-2001). En todas ellas, los cuatro compositores han aprovechado todos los recursos del instrumento para aportar en unos casos un refuerzo armónico al piano como hacían sus colegas del XIX y en otras muchas ocasiones darle un papel protagonista con solos, incluso improvisaciones, y numerosos pasajes en el registro agudo como si de alguna manera se quisiera cubrir, junto con el violonchelo, ese hueco  del que hablaba al principio que deja la viola.

Una sonoridad atractiva y diferente que tendréis oportunidad de escuchar el próximo sábado 22 de febrero a las 12h. en el Teatro Monumental ( entrada libre!) o en directo a través de Radio Clásica, dentro del XVIII Ciclo de Cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE, «Los Conciertos de Radio Clásica»

¡Estáis todos invitados!

 

 

Conciertos de Radio Clásica. XVIII Música de Cámara de la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE

Sábado,22 de febrero de 2014. Teatro Monumental.Entrada libre

David Mata,violín; Javier Albarés,violonchelo;Roberto Terrón,contrabajo;Daniel del Pino,piano

Four on the floor de Libby Larsen

Morsima-Amorsima de Iannis Xenakis

MusicScapes de Octavio Vázquez

Quartet for piano and strings de Frank Proto

 

 

Pasajes orquestales: el otro instrumento

Para todos los que pretendan presentarse a audiciones orquestales hay una página muy interesante llena de consejos que os será muy útil para trabajar en esta línea. Es la web www.doublebassexcerpts.com  Incluye las partituras más importantes, master class, consejos para una audición, incluso un simulador! Seguro que os es de mucha utilidad.

Pero quisiera aprovechar la ocasión de escribir sobre los pasajes orquestales para tratar una cuestión sobre la que siempre insisto con mis alumnos y que me parece muy interesante teniendo en cuenta la peculiaridad de nuestro instrumento.

Cuando los alumnos de contrabajo llegan a los últimos cursos de grado profesional o al superior, habitualmente dedican la mayor parte de su atención a resolver los problemas que les presentan las difíciles obras de su programa de estudios, dificultad que casi siempre se centra en el registro agudo y que apenas recorre la tercera y, mucho menos, la cuarta cuerda. Son esas dos cuerdas más graves las que llegada la vida profesional se utilizan con más frecuencia y las que precisamente dan sentido a nuestra presencia orquestal, y que requieren de un trabajo específico por la gran diferencia en muchos aspectos técnicos entre el registro más agudo y el más grave de nuestro instrumento. Esta característica del repertorio solista más habitual como las obras de Bottesini,Dittersdorf, Dragonetti, Misek… no se plantea tan claramente en otros instrumentos de cuerda en los que las obras más importantes de su repertorio generalmente tratan en igualdad de condiciones a todas las cuerdas por lo que se está trabajando continuamente todo el registro, no sólo el más agudo.

Por eso, al margen de que nos vayamos a presentar a alguna audición orquestal o no, es muy importante concebir el estudio de nuestro instrumento como si tuvieramos dos en uno al mismo tiempo, el agudo y el grave, dedicando en esta última fase de los estudios que mencionaba al principio la misma atención al registro grave que al agudo para no olvidarnos nunca de la verdadera función de nuestro instrumento en cualquier estilo musical, que es el sustento rítmico-armónico de todo el conjunto.

El trabajo minucioso de escalas y arpegios ( aunque se suelen olvidar, en la práctica los contrabajos en todos los estilos siempre tocamos más arpegios que escalas…) en todas sus variantes, haciendo especial hincapié en el registro grave, y de los fragmentos orquestales más importantes en mi opinión debe formar parte de la rutina de estudio de todo el que quiera sacarle el máximo partido a los recursos del contrabajo.

Ludwig Streicher. Episodios de su vida relatados por él mismo. (VII) Esto es muy difícil!

Como músico de orquesta en cierto sentido se es un subalterno. Es complicado hablar de ello con diplomacia. Cada director cree que tiene siempre la razón y hay que tocar tal y como cada uno quiere ( excepto los Filarmónicos que por encima de todo tienen su voluntad propia ). Ser músico de una pequeña orquesta tiene que ser frustrante porque se presenta un director con cuatro o cinco años de estudios de piano que empieza a dirigir y no sabe nada de una entrada de metales, no sabe exactamente cómo  tiene que tocar la cuerda, pero él quiere mandar. Un músico de orquesta es un esclavo.

Hay que decir que los Filarmónicos de Viena tienen también una increíble rutina. De esto puedo contarles una anécdota: Yo era una persona bastante indisciplinada y siempre hablaba con mi compañero de atril. Durante la actuación nos contábamos las novedades del día pero sin dejar de prestar atención a  la música. Esto quiere decir que tenía que trabajar con mucha concentración para poder hablar y tocar al mismo tiempo, que no era tan fácil!

Un buen día vino a verme el profesor Hollreiser, el director, y me pidió encarecidamente: «¡ Streicher, se lo ruego! Le doy lo que usted quiera si por una vez no habla durante la representación de una ópera». » Pero maestro, esto es mucho pedir «, le contesté yo. «Además, no sé por qué se preocupa si toco todo». «Lo sé, usted lo toca todo», exclamó él. Yo le aclaré entonces mi «compleja» situación: «Mire, he de prestar mucha, mucha atención. Primero tengo que prestar atención a mi contrabajo, a lo que toco. Tengo que atender a la chorrada que cantan ahí arriba los cantantes y después tengo que prestarle atención a usted. Tengo tres factores a los que tengo prestar toda mi atención y al mismo tiempo también quiero hablar! Esto es muy difícil para mí!». «No obstante, señor Streicher…» empezó otra vez el Profesor Hollreiser y yo continué mostrándome dispuesto a llegar a un acuerdo, «la semana próxima tenemos Cosi fan tutte en el Reduttensaal», le dije. «Regáleme una entrada para mi mujer.» Hollreiser se puso contentísimo. «Si, eso está hecho! Tendrá el mejor sitio!»

Así que el día del Cosi llegó, mi mujer tenía una de las mejores localidades y yo estaba sentado en el foso de la orquesta, al lado de mi compañero Hermann. Sólo había dos contrabajos. y a Hermann le gustaba siempre charlar conmigo. Así que Hollreiser comenzó a dirigir y, de repente, me dice Hermann: «¿Qué te ha parecido el ensayo de ayer?» Y yo sentado como un Buda. «¿Qué tienes, estás loco, por qué no hablas?» Yo me quedé sin pronunciar una palabra, mudo. Mientras tanto Hollreiser me miraba, dirigiendo hacia mí, disfrutando al verme tan callado. Hermann cada vez se enfadaba más hasta tal punto que no me dirigió la palabra durante los dos días siguientes. En el entreacto Hollreiser vino a verme y me dijo: «¡Streicher, esto es maravilloso!». «i Es horrible!» exclamé yo, «Guárdese su entrada que de ahora en adelante vuelvo a hablar…y ya le compraré yo la entrada a mi mujer»

Clases en la Escuela Popular de Música y Danza de Madrid

Durante todo este curso estaré dando clases un sábado de cada mes en la Escuela Popular de Música y Danza de Madrid dirigidas a alumnos de enseñanzas profesionales, superiores y posgrados, así como clases especiales de técnica para contrabajistas de música moderna. Los alumnos podrán optar por dos módulos diferentes:

MÓDULO A: alumnos de enseñanzas profesionales y clases especiales de técnica para músicos de música moderna (sesiones de 60’).

MÓDULO B: alumnos de enseñanzas superiores o posgrados (sesiones de 90’).

Fechas: 19 de octubre, 16 de noviembre, 14 de diciembre, 18 de enero, 15 de febrero, 22 de marzo, 12 de abril y 17 de mayo.

 

Los alumnos podrán apuntarse a cada ciclo completo o a clases sueltas. Como suelo hacer en mis clases, yo mismo acompaño a todos los alumnos al piano cuando es necesario.

Cada alumno recibirá, al finalizar el curso, un certificado firmado por los profesores y la dirección de La Popular acreditando el número de horas de clase recibidas.

Para más información podéis consultar  la página web de La Popular.

I have a dairy cow…no es una vaca cualquiera

Super Curro Caballero solía tocar esta conocida melodía en casa con su abuelo Antonio Ramos, gran trompetista de la escena jazzística madrileña, y siempre que venía a clase conmigo en Majadahonda me la tocaba. Con tal motivo, me animé a hacer esta adaptación con piano para los más pequeños de 1º curso para que la tocarán todos juntos en nuestro concierto de fin de curso de 2012. Para Curro, Lucía, Pablo y el abuelo Antonio con todo mi cariño.

La podéis descargar en formato PDF en el apartado de Partituras